Ça y est la rentrée est bel et bien entamée. Les derniers vacanciers du mois de septembre reprennent tranquillement leurs activités diverses et variées. Mais ne déprimez pas car si la rentrée est synonyme de reprise du travail (ou de l’école), elle est également annonciatrice du retour de nos séries préférées. L’équipe Purple Haze vous a concocté une petite sélection des nouveautés séries qu’il nous tarde de découvrir.
The politician
Il s’agit de la nouvelle série de Ryan Murphy (Glee, Scream Queens, American Horror Story) diffusée dès le 27 septembre sur Netflix. Elle nous plongera dans le monde impitoyable de la politique au sein du lycée de Saint Sebastian High School. Nous y ferons la connaissance de Payton, interprété par Ben Platt, qui sera prêt à tout pour gravir les échelons dans le but de devenir un jour président des Etats-Unis. Entre magouille, alliance et trahison, on a hâte de découvrir cette nouvelle série et d’autant plus plus quand on sait que l’excellente Jessica Lange figure au casting.
Years and years
Diffusée depuis le 2 septembre dernier via Canal + ,cette série est faite pour vous si aimez Black Mirror. Série futuriste aux faux airs de comédie, l’intrigue nous plonge dans un Royaume-Uni qui a quitté l’Europe. Le pays est maintenant dirigé par une Première ministre populiste et dangereuse interprétée par la géniale Emma Thompson (laquelle produit la série).Years and years emprunte alors des accents apocalyptiques et nous plonge dans une réalité pas si éloignée de la nôtre.
On becoming a god in central Florida
Série produite par Georges Clooney et Kristen Dunst (qui tient le rôle principal), elle fait découvrir le quotidien d’une trentenaire dans les années 80, qui rêve de quitter son job dans un parc aquatique pour vivre une vie remplie de paillettes et de moulures au plafond (t’as entendu Kevin). Afin d’atteindre son but à son but, elle monte alors des arnaques pour s’enrichir et mener la vie dont elle a toujours rêvé. La série dresse alors un portrait cinglant du capitalisme américain des années 80.
Elle est diffusée depuis la fin du mois d’août sur Showtime et n’a pas encore de diffuseur français.
https://www.youtube.com/watch?v=kU9SVg5i0WA
Stumptown
Si vous avez adoré Cobbie Smulders dans How I Met Your Mother, vous allez adorer la retrouver dans cette nouvelle série. Dans Stumptown, elle campe Dex, une ancienne militaire qui retourne dans sa ville natale de Philadelphie pour devenir détective privée. La série sera aussi l’occasion de retrouver Jake Johnson l’inoubliable Nick de New Girl. La diffusion est prévue pour le 25 septembre sur ABC.
https://www.youtube.com/watch?v=jA4VhIns9Io
Undone
Les créateurs de BoJack Horseman nous propose une diffusée sur Amazon Prime depuis le 13 septembre. Il s’agit de la toute première série réalisée entièrement en rotoscopie. Qu’est-ce que c’est ? Cela signifie que les acteurs sont filmés en train de jouer avant qu’on ne les recréé en version animée. La série se positionne entre réalité et imagination. Mais parlons un peu de l’intrigue. Alma jeune fille dont le père vient de décéder brutalement, voit son monde bouleversé lorsque celui-ci apparaît telle une hallucination et la charge de retourner dans le passé pour lui sauver la vie
Voici donc un petit échantillon de ce que nous réserve cette nouvelle année sérielle. Mais n’oublions pas les nouvelles saisons des séries à succès qui débutent ce mois-ci comme Grey’s Anatomy, The Good Place ou encore American Horror Story. Une année riche en émotion en perspective.
Pour le début de son film Apocalypse Now, Francis Ford Coppola a trouvé ironique de jouer The End, des Doors (inutile des les présenter n’est ce pas ?). À l’écran des images superposées : une forêt bombardée qui prend, des hélicoptères dans le ciel dont les hélices se confondent avec celles d’un ventilateur, le visage du personnage principal à l’envers. Pas de titre, pas de nom, seulement la musique et le son entêtant des machines.
Remettons nous dans le contexte rapidement : sorti en 1979, Apocalypse Now nous emporte en pleine guerre du Viet Nam et raconte l’histoire de Willard, un soldat désoeuvré croupissant dans une chambre d’hôtel à Saïgon et qui, entre deux bouteilles d’alcool, ne songe qu’à retourner au combat car c’est la seule chose qu’il saisit désormais. Son souhait est alors plus ou moins exaucé : on lui ordonne d’aller exécuter secrètement le colonel Kurtz qui a fui l’armée et s’est réfugié au fin fond de la jungle, au-delà même de la frontière. Là-bas, il a rassemblé un petit groupe de fidèles et mène des attaques terribles contre « l’ennemi ».
Il s’agit d’une adaptation de la nouvelle Heart Of Darkness, de Joseph Conrad, qui, elle, se passait en Afrique. Les deux oeuvres ont en commun le protagoniste remontant un sinistre fleuve à la recherche d’un homme qui a sombré dans la folie.
Les Origines
Une version inachevée du film est projetée pour la première fois en Mai 1979, au Festival de Cannes. Une claque, qui décrochera la Palme d’Or et fera un véritable pied de nez aux journalistes du monde entier qui avait rebaptisé le film Apocalypse When ? à cause des retards et des problèmes rencontrés lors de la production. C’est toujours avec honnêteté que Francis Ford Coppola évoquera ce qui s’est passé sur ce tournage mémorable, jusqu’à dire à la conférence de presse cannoise : « Mon film ne parle pas du Viet Nam. Mon film est le Viet Nam. »
On sait que le réalisateur a aussi dit que l’art naît parfois d’accidents, et on peut dire que ce film là les a collectionné : un typhon qui détruit le décor de fin, l’acteur principal Martin Sheen qui fait une crise cardiaque et doit être doublé par son frère, Marlon Brando qui refuse de tourner quoique ce soit pendant près d’une semaine… Un endettement de 30 millions de dollars pour Coppola qui veut à tout pris faire ce film et un cauchemar pour l’équipe qui, au lieu de six semaines restera plus d’un an aux Philippines pour tourner les 200 heures de rushes d’Apocalypse Now… Doit-on enfoncer le clou et préciser que les hélicoptères étaient prêtés par le gouvernement philippin et décollaient en plein milieu des scènes pour partir servir leur État ?
Si vous voulez en savoir plus sur les coulisses de ce tournage, je vous conseille le documentaire Heart of Darkness : Apocalypse of a filmmaker, réalisé par la femme du réalisateur et devenu aussi culte que le long-métrage.
https://www.youtube.com/watch?v=lxowb5IQRuI
Malgré l’enfer qu’aura pu être la production de ce film, Coppola tient à s’y replonger à deux reprises : la première en 2001 en sortant la version Apocalypse Redux, à laquelle il rajoute quasiment une heure de film. La seconde fois, c’est à l’occasion des 40 ans du film pour sortir Apocalypse Now : Final Cut.
Le spectateur au coeur des ténèbres
Si je devais décrire ce film en un mot, je choisirais immersion. Quand les lumières de la salle s’éteignent, dès l’intro, nous nous retrouvons au Viet Nam.
Pour la version Final Cut, les équipes sont allées repêcher les pellicules originales et les ont restaurées. Il faut savoir qu’une bonne partie du film se passe de nuit, et des détails jusque là cachés dans la pénombre deviennent visibles. On voit mieux cette jungle qui nous engloutit quand elle se referme sur les personnages et les couleurs de jours sont davantage flamboyantes.
L’esthétique reste cependant très sombre, et c’est ce qui a fait l’originalité visuelle de ce film : l’audace de sous-exposer les scènes. En cinéma, pour être certain que l’action soit bien visible, on a tendance à vouloir tout éclairer. Darius Khondji, chef opérateur, avait dit à ce sujet : « Si vous inondez de lumière, c’est que vous avez peur. »
Personne n’a eu peur sur ce film là, que ça soit la séquence de guerre nocturne où les personnages n’apparaissent que quand les flashs des bombes les éclairent ou le personnage du colonel Kurtz émerge si peu des ténèbres qu’on le ne voit quasiment jamais entier.
Un trip auditif
Ce qui a marqué également avec ce film, c’est son mixage sonore. Et pour cause, c’est avec lui qu’on a utilisé pour la première fois le 5.1. Sans entrer dans de trop longs détails techniques, il s’agit d’un système audio à cinq voies et c’est grâce à ça que l’on a l’impression d’être « entouré » par le son dans les salles de cinéma ou chez soi lorsqu’on possède une installation de la sorte. D’où le titre générique de « 5.1 Surround ». C’était déjà une prouesse à l’époque. Walter Murch, qui a chapeauté le montage et le mixage sonore d’Apocalypse Now, est, d’ailleurs, venu participer pour la version de 2019. Il a alors travaillé à partir des masters sons originaux trouvés dans une poubelle et produit une version sonore étoffée mais surtout oppressante.
Regarder Apocalypse Now, c’est aussi l’écouter. Un concert de tonnerres, de bruits de jungle et d’animaux nous embarque dans ce bourbier tropical, la musique des Doors et la bande originale psychédélique nous font planer, le mythique passage de la musique de Wagner mariée aux bruits des bombes et des tirs déclenchent en nous quelques frissons.
Le Final Cut
Il y a des choses qui ne changent pas entre les versions, comme le jeu juste époustouflant mené par des monstres même dans les rôles secondaires, tels que le très jeune Laurence Fishburne en soldat immature, ou Robert Duvall et son iconique Lieutenant Bill Kilgore qui « aime l’odeur du napalm au petit matin ».
Coppola a déclaré que ce montage inédit était la meilleure version d’Apocalypse Now qui existe. Il est vrai que la « meilleure version » dépend de celui qui la regarde : certains resteront à jamais fidèles à l’originale de 79, d’autres préfèreront Redux (2001) qu’ils jugent plus complète. D’une durée de 3h02 qui coupe la poire en deux entre la première (2h33) et la seconde (3h30), Final Cut se débarrasse cependant de certaines longueurs sans s’amputer de scènes devenues mythiques telle que la séquence dans la plantation française et d’autres scénettes que je vous laisserais (re)découvrir.
Cette version a également le mérite d’être celle qui est la plus proche de ce que le réalisateur veut dans un univers hollywoodien où le final cut appartient souvent aux producteurs et aux studios.
Quand le film se termine, il n’y a aucun titre au générique. Si l’on fait attention, dans le décor de fin on aperçoit un graffiti : Apocalypse Now. Les lumières se rallument et les gens restent assis un bon moment plutôt que de se lever directement, comme s’ils étaient surpris de découvrir qu’ils sont assis sur leurs fauteuils dans une salle de projection et non pas sur le fleuve en pleine guerre.
Du 28 août au 7 septembre dernier se tenait la 76e édition du festival de cinéma, La Mostra à Venise (Italie). Créée en 1932, le festival se déroule annuellement au sein de l’historique Palais du cinéma de la cité des Doges. Elle a, de plus, été intégrée depuis quelques années à la Biennale d’art de Venise en qualité de section cinéma.
Pour cette 76e édition, c’est l’actrice Alessandra Mastronardi (To Rome with Love) qui se prête au jeu de la maîtresse de cérémonie et la réalisatrice Lucrecia Martel (La ciénaga, La Sainte fille) qui prend la direction du jury succédant à Guillermo del Toro. Retour …
Le palmarès
. En compétition officielle
Lion d’or : Joker, Todd Philipps (Etats Unis)
Lion d’argent : About endlessness, Roy Andersson (Suède)
Coupe Volpi Meilleure actrice : Ariane Ascaride pour Gloria Mundi (France)
Coupe Volpi du Meilleur acteur: Luca Marinelli pour Martin Eden (Italie)
Lion d’Argent du scénario : Yonfan pour N°7, Cherry Lane (Hong Kong)
Prix Marcello Mastroianni du Meilleur espoir : Toby Wallace pour Babyteeth (Australie)
Grand Prix du Jury : J’accuse, Roman Polanski (France)
Prix spécial du Jury : La Mafia non è piu quella di una volta, Franco Maresco (Italie)
. Orizzonti (Horizons)
Meilleur film : Atlantis, Valentyn Vasyanovych (Ukraine)
Meilleur réalisateur : Théo Court pour Blanco en blanco (Chili)
Meilleure actrice : Marta Nieto pour Madre (Espagne)
Meilleur acteur : Sami Bouajila pour Un fils (Algérie)
Meilleur scénario : Jessica Palud, Philippe Lioret, Diastème pour Revenir (France)
Meilleur court-métrage : Darling, Saim Sadiq (Pakistan)
Prix spécial du jury: Verdict, Raymund Ribay Gutierrez (Philippines)
. Prix Luigi De Laurentiis (Prix de la meilleure première oeuvre)
Meilleur premier film Prix Luigi de Laurentiis : You will die at 20, Amjad Abu Alala (Soudan)
. Venice VR
Meilleur film VR : The Key, Céline Tricard (France)
Meilleur scénario pour film linéaire : Daughters of Chibok, Joel Kachi Benson (Nigeria)
Meilleure expérience immersive : A Linha, Ricardo Laganaro (Brésil)
. Venezia Classici
Meilleure restauration : Extase, Gustav Machaty (Tchécoslovaquie)
Meilleur documentaire sur le cinéma : Babenco – Tell me when I die, Barbara Paz (Brésil)
. Autres catégories
Prix Campari Passion for film : Luca Bigazzi
Prix Jaeger -Lecoultre Glory to the filmmaker : Costa-Gavras
Lion d’or pour leur carrière : Julie Andrews & Pedro Almodovar
Les surprises (bonnes et… mauvaises)
. Le Joker de Todd Philipps rafle le Lion d’or à grands coups d’applaudissements et d’éloges. Le film raconte, en effet, la naissance du méchant iconique de DC avec en lead role rien de moins que Joaquin Phoenix (Gladiator,Her…). Réputé comme psychologiquement dérangé et dérangeant et ayant, de plus, une illustre parenté d’interprètes (Heath Ledger, Jack Nicholson notamment) le projet est très attendu. Le film a, d’ailleurs, été classé “R Rated” aux USA pour “violence importante et sanglante, comportement perturbant, vulgarité et brèves images sexuelles”. Il sera donc interdit aux moins de 12 ans en France et 17 ans outre Atlantique. Malgré cela, il est encensé partout où il passe et les pronostics pour son démarrages. sont plus qu’ optimistes. Un succès commercial et critique qui semble dépasser le simple comics illustré (vous l’avez ?). Beaucoup s’y sont cassés les dents (cc Jared Leto) mais Joaquin Phoenix semble avoir rallumé la flamme. Affaire à suivre le 9 octobre en salle.
. Le nouveau film de James Gray, Ad Astra fit également sensation à la cité des Doges. Celui ci raconte, en effet, l’aventure de l’astronaute Roy MacBride aux confins du système solaire sur les traces de son père et d’un mystère qui pourrait bien menacer l’Humanité. Un space opéra façon Interstellar avec à l’affiche Brad Pitt, Tommy Lee Jones, Liv Tyler ou encore Ruth Negga. Une pluie d’étoiles, donc, à découvrir le 18 septembre.
. Pour sa troisième édition, la section Réalité Virtuelle de la Mostra a encore une fois révélé de très belles oeuvres. Il est noter, d’ailleurs, que c’est la française Céline Tricard qui remporte le prix de Meilleur film VR avec son The Key. Une belle preuve de l’intérêt porté par la France aux technologies immersives et de son souhait de se positionner en temps que tête de file.
Hors champ L’annonce de la sélection de Roman Polanski créa la polémique (rappelons le, le réalisateur fut jugé pour un viol sur mineure qui se serait déroulé fin 70’s). Son ex victime a tenu toutefois à lui adresser ses félicitations pour son prix italien. Elle explique, en effet, être fatiguée de l’acharnement médiatique et juridique dont ils sont tous les deux les frais. Suite à la déferlante du mouvement MeToo et la révélation d’autres victimes, le réalisateur de Rosmary’s Baby a été radié de l’Académie des Oscars. Décision qu’il a décidé de contester devant la justice.
Le 3 septembre dernier, la famille de Peter Lindbergh annonce la mort du photographe et réalisateur à l’âge de 74 ans. Le monde de la mode est en deuil. Retour sur une carrière qui a définitivement laissé son empreinte.
Peter Brodbeck (aka, plus tard, Lindbergh) naît le 23 novembre 1944 dans la ville de Lezno en Pologne. Il s’intéresse très vite à l’art et suit les cours de l’école des Beaux Arts de Berlin. Il collaborera, par la suite, avec les marques et les médias les plus prestigieux. Naomi Campbell (dont il a contribué au lancement sur les podiums), Estelle Lefébure et bien d’autres passeront ainsi devant son objectif. Plus récemment, il collabore avec Megan Markle pour la couverture du Vogue UK de Septembre 2019 (la fameuse September Issue).
Ce sont les années 1980’s et surtout 90’s qui figureront la période charnière de sa carrière en ce qu’il participera à la création du mouvement que l’on nomme plus tard, les “super models”. Ces femmes seront à l’image de cette période : fortes et libres, de vraies business woman qui n’ont rien à envier aux hommes et n’ont peur de rien.
Les femmes sont d’ailleurs le sujet de prédilection de Peter. Il préfèrera toutefois se revendiquer “photographe du côté des femmes” et non “photographe féministe”.
La femme Lindbergh est donc libre, belle, audacieuse mais surtout pas parfaite car c’est là que réside sa personnalité et sa beauté. Androgyne, le minimalisme cher au photographe fait ressortir un magnétisme intemporel.
Le photographe a ainsi en horreur, et ce dès le début de sa carrière, les retouches lourdes en post-production et lui privilégie le travail par la caméra. “C’est là le vrai sport de la photographie”, insiste-t-il dans une interview pour le Festival Planche(s) Contact (Deauville,14).
Sa composition souvent très simple, naturelle, traduit sa vision du monde épurée et naturellement ciselée. Beaucoup de noir et blanc, peu de maquillage, tout est fait pour se concentrer uniquement sur son principal outil de travail : la lumière.
Le caractère narratif de ses photos ajoute alors un grain onirique à un artiste dont les plus grandes influences ont été : le Metropolis de Fritz Lang (1927), le vieux cinéma allemand et les cabarets. « La beauté, c’est la vérité », déclarera – t – il à Libé en 2014.
C’est ainsi bien plus qu’un simple photographe de mode qui disparaît. C’est un monstre sacré.
Campagne Comme des Garçons par Peter Lindbergh (1988)Catherine Deneuve par Peter Lindbergh Kate Moss par Peter Lindbergh Lupita Nyong’o par Peter Lindbergh (Calendrier Pirelli, 2017)Naomi Campbell, Linda Evangelista, Tatjana Patitz, Christy Turlington et Cindy Crawford (New York, 1990)Estelle Lefébure, Karen Alexander, Rachel Williams, Linda Evangelista, Tatjana Patitz et Christy Turlington (1988) Cindy Crawford, Eva Herzigova, Karen Alexander, Nadja Auermann et Nadja Patitz, Supermodels Reunion pour Nowness Lindbergh et ses muses
A lire :
Peter Lindbergh, A different vision of photography, éditions Taschen
Publié en lien avec la grande rétrospective proposée par le Kunsthal de Rotterdam, aux Pays-Bas, cet ouvrage rassemble plus de 400 images réalisées par Lindbergh en quarante ans de carrière et rend ainsi hommage à sa façon si singulière de raconter la mode et ses bouleversements.
Le dernier trailer de la saga Star Wars : Star Wars IX: L’Ascension de Skywalker a été présenté lors de la D23 (23 août 2019 – 26 août 2019), la convention de Disney. Ce trailer est l’occasion de faire un retour sur la série et de son évolution depuis le rachat de la licence par Disney. Surtout depuis le départ de notre regretté Georges LUCAS de la saga qu’il a forgé.
C’est quoi un bon Star Wars ?
Ce qui fait la marque de Star Wars, c’est avant tout une narration universelle et l’application d’une technologie innovante.
Placé au cœur de sa réflexion le chemin du héros, entre jeunesse et maturité, reprend les plus grandes odyssées à son compte. Nombreuses sont les influences et les figures utilisées dans Star Wars. Elles sont, par exemple, tirées de la mythologie gréco-romaine avec la figure du père à défier pour le dépasser tel un Oedipe moderne, ou bien de l’univers japonais avec la figure du samouraï pour Dark Vador. Cela donne une valeur universelle au discours et une profondeur de lecture beaucoup plus percutante.
Le récit s’inscrit toujours dans l’actualité de son époque et donne une lecture de notre environnement. La première trilogie, à savoir celle parue en premier (épisode IV, V et VI), nous replace dans le contexte de la Guerre Froide. L’Empire est une vision du communisme où les libertés individuelles sont interdites au profit d’un système politique dictatorial. L’économie est tourné vers les machines de guerre, toujours plus puissante au détriment du peuple, pauvre et affamé qui entraîne une augmentation de la criminalité. Les rebelles sont les libérateurs de cette injustice en faisant la promotion de l’individu comme maître de son destin. Une figure appuyée par le fait que seuls les rebelles soient identifiables individuellement, les stormtroopers portant tous le même casque. La seconde trilogie (épisode I, II et III) nous raconte l’ascension d’un politicien jusqu’au sommet de l’Etat grâce à des manoeuvres politiques douteuses voir illégales. Le Sénat est vide de sens et de pouvoir, corrompu par des lobbyistes qui entraîne la chute de la démocratie. Une critique de la politique américaine à cette époque (Bush, 11 septembre 2001).
Les évolutions technologiques étaient également au cœur de la démarche de Georges LUCAS et de ses équipes. Le réalisateur a ainsi toujours voulu fournir les plus belles images afin de créer un univers le plus réaliste possible. A tel point qu’il fait, dans les années 2000, une réédition des 3 premiers films avec des effets numériques inédits. Et il est vrai qu’il nous amène à chaque fois dans les étoiles.
En complément, une fois n’est pas coutume, voici l’émission de radio de France Inter Si l’Amérique m’était contée : L’Empire Star Wars – Sabres Laser, Etoile noire et dollars. Il faut préciser qu’à l’époque de l’enregistrement il n’y avait que deux trilogies :
Les œuvres qui ont été créé après la cession de Lucasfilm à Disney n’ont pas permis de retrouver une telle qualité narrative et technique. Il existe cependant une exception à cette offense, Rogue One. Il s’agit du premier spin off de la série (qui ne retrace pas les aventure de la famille Skywalker). L’histoire prend place juste avant le IVème film (donc le premier film à sortir sur grand écran en 1977) et décrit comment les rebelles ont réussi à récupérer les plans de l’Etoile Noire. Une aventure plus sombre mais qui a su retranscrire ce qu’était un bon Star Wars. Le film n‘est pas parfait mais l’on y retrouve une histoire qui sait s’inscrire dans notre temps. En effet la rébellion est une lecture froide du conflit contre les puissances politiques et entrepreneuriales. Une envie de rébellion et de changement que l’on sent dans notre actualité.
Les images sont également d’une beauté à couper le souffle. Ce que l’on retrouve également dans les derniers Star Wars il faut le dire. Les capacités techniques qui sont déployées dans Rogue One pour recréer les personnage de Tarkin et de la princesse Leia sont bluffantes à tel point que l’on se demande pendant tout le film si ce ne sont pas des rushes des premiers films. On y retrouve alors un récit sombre mais qui donne de l’espoir et des images marquantes comme la poursuite de Dark Vador dans le vaisseau de Leila qui saura mouiller toutes les moustaches. A must-see !
Rogue One rend hommage aux premiers films de la saga dans la construction de son univers sale mais réaliste. On pense notamment au marché de Jakku qui rappelle la crasse de Tatooine. Un aspect documentaire qui donne une crédibilité au discours bien loin du classique de la SF à l’époque avec ses lignes parfaites synonyme de progrès. Le film ne se perd cependant jamais dans un copié collé des premiers volets. Ils gardent, en effet, une identité propre. C’est ce que n’a pas réussi à faire la troisième trilogie et le spin off autour du personnage de Han SOLO.
Pour les deux premiers films de la dernière trilogie, il s’agit d’un remake des premiers mais sans aucune originalité et dans une déconstruction du discours des premiers qui n’apporte rien à l’univers. Ils passent dans une démesure propre à ceux qui n’ont pas l’inspiration et le talent pour hériter d’un tel monument. L’Etoile noire devient Starkiller, et donc 10 fois plus grosse, l’empereur devient Snog et la Force nous fait tomber du côté lumineux et non du côté obscur. Une mise en abîme et un gigantisme inintéressant qui bafoue l’œuvre originale. Hormis de belles images, il n’y a aucun progrès technique tel que ce fut le cas avec Star Wars II, le premier film a avoir été tourné entièrement en numérique. Il n’y a même parfois aucun sens aux situations à tel point que la destruction de la flotte par un vaisseau dans l’hyperespace dans le dernier film en date remet en question la logique même des combats dans l’espace. Si un vaisseau est capable de détruire une flotte en fonçant sur elle lors d’un saut dans l’hyperespace, il n’y a donc aucune raison de s’affronter dans des conflits spatiaux gigantesques.
Le spin off SOLO, quant à lui, pourrait être résumé ainsi « ils nous montrent ce que l’on ne voulait pas voir ». La part de mystère d’Han SOLO permet de créer la profondeur et la complexité du personnage. Nous montrer son histoire en reprenant toutes les petites phrases qu’il a pu dire dans les films du genre « Le raid de Kessel en 12 parsecs », n’a d’autre intérêt que de vider le personnage de sa substance. Un défaut majeur dans le film qui perd alors le spectateur non initié car le film est vide si l’on ne connaît pas les références. Cela est particulièrement visible dans la dernière scène du film qui ne parlera qu’à ceux qui ont suivi la série animé Star Wars : The Clone Wars.
Star Wars IX
Star Wars IX sortira en décembre prochain et nous a déjà proposé deux trailers. Dont voici le premier:
Le deuxième trailer, quant à lui, nous montre tout d’abord des scènes des autres films pour nous indiquer qu’il s’agit du film clôturant la série des Skywalker. Une approche intéressante car elle nous indique la fin définitive d’un arc tout en nous remémorant les scènes les plus marquantes des trois trilogies. La voie qui nous guide pendant cette remontée fulgurante dans le temps est Luke SKYWALKER. Il souligne les images nous précisant qu’il s’agit de la fin et du dernier combat. La suite du trailer fait apparaître les personnages principaux de la saga actuelle, Rey et sa petite bande ainsi que la princesse Leia. La scène permet alors de recentrer l’action sur les personnages de la dernière trilogie.
L’arrivé à l’écran de plusieurs vaisseaux et d’une armada qui remplit alors le ciel nous montre un conflit en approche dans un gigantisme propre aux derniers films. C3PO a les yeux rouges et un laser tiré depuis l’espace déchire le sol, puis Rey apparaît en pleine démonstration de ses pouvoirs. La guerre approche, le dénouement ! Puis c’est la voix de l’empereur qui monte sur le bruit du sabre laser de Kylo Ren. Il nous indique également que le conflit arrive à son terme. Le bien et le mal s’affrontent de nouveau dans un combat au sabre laser. La scène de fin arrive comme un choc, Rey dans une tenue obscure, un sabre laser rouge !
Le trailer est bien construit et le retour de l’Empereur est alors inévitable. Nous nous y attendions depuis le dernier trailer de Star Wars IX. Cela nous confirme que l’originalité ne sera pas de mise dans ce dernier volet. La présence d’une Rey obscure à la fin du trailer, également, le confirme. Le service marketing adore décidément inverser les rôles entre lumière et ténèbre. Le gigantisme est de nouveau de mise. On peut donc s’attendre à une suite digne des deux premiers films : sans histoire bien construite ou qui nous parle. On ne retrouve pas non plus la présence d’une technologie bien utilisé qui nous immerger davantage dans cet univers avec un effet Whaooo.
Peut-être faudra-t-il attendre les séries sur Les Mandaloriens (avec comme personnage principal Boba Fett et qui est prévu pour le 12 novembre 2019), sur Obi wan et peut être même sur Dark Maul pour connaître un renouveau dans l’univers de Star Wars. En attendant, comme un acte citoyen, je n’irais pas voir le prochain film. Il s’agit de crier haut et fort que l’on veut moins de personnages qui ne servent qu’à vendre des peluches mais une vraie histoire qui ne fera qu’étendre l’influence de ce merveilleux univers Star Wars. En attendant on peut toujours se plonger dans les livres et autres support de l’univers étendu, les jeux vidéo entre autres.
