Etienne Talla est gérant de TALLART GROUP, (une agence artistique et culturelle au Cameroun), directeur de publication de www.tallartistik.com et www.horizoncamer.com. Spécialiste des arts visuels au Cameroun, il est une signature qui compte dans l’univers du blogging local. Il a été élu meilleur blogueur francophone du Cameroun ( 2019 – 2020 ) au Bontech Digital Média Awards, Meilleur projet Hackaton 2020, Meilleur Blogueur Société au cours de la première édition de Abc blog Awards en Octobre 2021, organisé par l’association des blogueurs du Cameroun. Le 28 Février 2019, il met sur pied www.tallartistik.com, un magazine de promotion des arts visuels du pays. Récemment il crée l’événement Renc’Art.
Comme son nom l’indique, Renc’Art est une rencontre artistique qui réunit des artistes de différents bords autour d’une problématique bien définie. Actuellement, ce projet se déroule deux fois par an et met principalement en avant les arts visuels. Il se traduit par de nombreuses activités parmi lesquelles des ateliers d’art, des débats, la visite guidée d’une exposition en cours dans la ville de Douala et des prestations artistiques du genre musical et humoristique. L’objectif premier est de rendre les arts visuels accessibles à tout le monde, de démocratiser le secteur de l’art et de rassembler les artistes.
L’objectif de cette plateforme dans le futur est de devenir un moment des rencontres internationales qui mettra à l’honneur des artistes africains, le savoir et le savoir-faire de ces derniers. Mais également, Renc’Art souhaite pouvoir aider à résoudre les problématiques de moyens auxquelles sont confrontés les artistes au quotidien au Cameroun pour leur permettre de trouver une place sur le marché national voire international.
Cet été, l’équipe de Purple Haze souhaitait vous faire un peu voyager, et vous propose de poser vos valises dans “l’Afrique en Miniature”, c’est-à-dire le Cameroun ! Bienvenue au pays des crevettes (les Espagnol ont baptisé le fleuve Wuri Rio Dos Camaroes car ils y ont trouvé beaucoup de crevettes, depuis le nom a évolué pour donner Cameroun). Ici, vous trouverez un petit tour d’horizon de ce qui se fait au niveau artisanat, et industries culturelles. Bonne lecture !
Artisanat
Les formes d’artisanat que vous rencontrerez le plus souvent au Cameroun sont le tissage, la sculpture, la forge et le moulage, la broderie, la tannerie, la vannerie et la poterie. Elles sont toutes très bien implantées dans les grandes villes camerounaises aujourd’hui et ne se rencontrent plus uniquement dans les parties rurales, plus traditionnelles, du pays. Il est ainsi très facile d’aller voir directement un artisan pour faire sur mesure ses meubles, sa décoration, ses bijoux, ses vêtements etc…
Le tissage, comme les autres types d’artisanat d’ailleurs, varie d’une région à l’autre. Ainsi, dans l’Extrême-Nord, notamment dans les environs de Rhumsiki, les tisserands fabriquent des tissus et des nattes à partir du coton à l’état brut de paille séchée ; dans l’Ouest, les artisans Bamouns utilisent, eux, des fibres de coton pour produire leurs différents tissus traditionnels, de même que dans le Nord-Ouest (le toghu par exemple à Bamenda), notamment à Bafut, à Ndop (d’où le nom du tissu bleu très reconnaissable que vous pouvez voir un peu partout) et à Bali.
La sculpture, elle, se fait soit sur bois, comme dans l’Ouest et le Nord-Ouest où sont fabriqués des masques, des statues, mais aussi du petit mobilier, soit sur ivoire, comme dans le Sud.
Les forgerons jouent également un rôle très important au Cameroun. Ils sont quasi sacrés dans certaines régions. Ce sont eux qui fondent le minerai de fer (mais aussi le laiton ou le cuivre) pour fabriquer des armes, des masques, des statues ou qui effectuent le travail d’orfèvre, dans les grandes villes du pays surtout, pour confectionner des bijoux en or ou en argent.
La broderie est surtout présente chez les Bamouns et dans le Nord, tandis que la tannerie, qui produit des ceintures, des chaussures et de la maroquinerie, est une particularité de l’Extrême-Nord (notamment à Maroua qui se trouve dans le Sahel).
La vannerie est quant à elle plus spécifique aux régions de forêts, car les artisans se servent du rotin, abondant dans ces régions, pour fabriquer des meubles.
Enfin, la poterie est quant à elle présente dans tout le pays, et l’argile sert essentiellement à la confection de pipes, de jarres et d’assiettes. Vous trouverez la plupart de ces objets sur les marchés des villes ainsi que dans les centres artisanaux du Cameroun, comme à Foumban et à Djingliya. Alors rendez-vous au “marché des fleurs” à Douala ou au centre artisanal de Yaoundé pour faire quelques emplettes.
Cinéma
Extrait de « Aventure à Paris », Jean Paul Ngassa Thérèse Sita Bella, date inconnue
Le cinéma camerounais est né très tardivement. Ceci pour une raison évidente, la culture et la politique étant étroitement liées, il a longtemps été celui de la colonisation, c’est-à-dire le cinéma européen. Le cinéma camerounais débute donc à Paris avec un documentaire de Jean-Paul Ngassa, Aventure en France, réalisé en 1962 sur la situation des étudiants camerounais en France. Il est alors étudiant de l’IDHEC (Institut des hautes Études Cinématographiques de Lille). Ce thème va ensuite inspirer Thérèse Sita Bella, la réalisatrice de Tam-tam à Paris en 1963. De retour au pays, Ngassa se met au service du jeune État et produit plusieurs films, notamment de propagande, comme Une nation est née en 1970. Alphonse Beni se distingue par la diversité des thèmes abordés, réalisant entre 1971 et 1985 des films disco, des policiers et des films érotiques. Ce n’est réellement qu’après la décolonisation, en 1960, que l’idée de promouvoir un cinéma national émerge dans le pays.
Les premiers longs métrages camerounais sont en effet sortis seulement en 1975. Le premier que nous pouvons citer est Muna Moto (L’Enfant de l’autre), de Jean-Pierre Dikongué Pipa. Muna Moto est un film grave, qui met en exergue les relations entre l’homme et la société dans laquelle il vit. Il a reçu, entre autres distinctions, la palme d’or du film africain au festival de Genève en 1975 et surtout le grand prix du Fespaco (Étalon de Yennenga) en 1976. Dikongué Pipa recevra avec d’autres films plusieurs lauriers dans des festivals et la reconnaissance du grand public. Il en est notamment de : Histoires drôles, Drôles de gens en 1983 et Courte maladie réalisé en 1987.
En 1975, Pousse-Pousse, de Daniel Kamwa, sort sur les écrans. C’est une comédie de mœurs traitant du problème de la dot. A sa sortie, ce film bat les records d’entrée dans les cinémas de Yaoundé et de Douala, avec 24 000 personnes venues le soir même. Devant un tel succès populaire, le réalisateur décide d’exporter son long métrage, qui connaît alors le même succès, en Côte-d’Ivoire et au Sénégal notamment.
Ces 2 premiers grands réalisateurs camerounais, Jean-Pierre Dikongué Pipa et Daniel Kamwa, ont inspiré de nouveaux réalisateurs très prometteurs comme Bassek Ba Kobhio, réalisateur entre autres de Sango Malo (Le Maître du Canton), sorti en 1991 et sélectionné au festival de Cannes, et par ailleurs fondateur du festival de films Ecrans noirs, le deuxième en importance d’Afrique noire francophone, qui se tient tous les ans fin mai, début juin dans la capitale camerounaise.
Le Festival du cinéma » Ecrans noirs « , qui a fêté sa 18e édition en 2014, a révélé les années précédentes des cinéastes tels que Waa Nkeng Musi avec le film On the Brim, ou encore Tikum Titus avec le film Great Passion, des films du Cameroun anglophone. Une des Palmes d’or remarquées avait été remise au long métrage burkinabé Julie et Roméo. L’Écran de l’espoir avait quant à lui été délivré au Camerounais Jean-Jacques Ndoumbè pour son court métrage Sur le chemin de mon rêve.
Littérature
La littérature camerounaise est jeune, car contemporaine : elle débute en fait en 1920, lorsque le roi Njoya invente l’alphabet Bamoun, permettant ainsi d’écrire et de décrire la chronique, la tradition, l’histoire. Le premier véritable écrivain camerounais est Jean-Louis Medou Njemba, et la première œuvre de littérature est Nnanga Kon, parue en 1932. Par la suite, de nombreuses figures du monde artistique et littéraire se sont succédé jusqu’à nos jours. La littérature est avant tout profondément marquée par les traditions africaines, c’est-à-dire basée sur l’oral et sur des fondements très anciens. Traditionnellement, les poètes récitaient les poèmes en s’accompagnant du mvet, sorte de harpe de 4 à 7 cordes. Ces poètes étaient qualifiés de » troubadours « , alliant le texte à la musique. Cette » littérature » camerounaise reste basée sur l’oral jusqu’à la venue du roi Njoya à la fin du XIXe siècle. Il est l’un des premiers à rédiger ses textes sur papier. Son ouvrage le plus célèbre est le Livre des remèdes et des guérisseurs. En 1930, Isaac Moumé-Etia, auteur d’une grammaire du douala (langue parlée par les Peuples Sawa dits les Peuples de l’eau dans la ville de Douala et autour), publie un recueil de contes en français et en douala. Malgré cette unique tentative en Afrique noire et malgré l’islam qui avait apporté l’écriture au nord du Cameroun, ce n’est qu’avec la colonisation de la France et de l’Angleterre que le pays rentrera réellement dans la civilisation écrite. La majeure partie de la littérature camerounaise est rédigée en français durant les années de la seconde guerre mondiale. Elle est très riche et variée, allant des travaux historiques, tels ceux du R.P. Engelbert Mveng (Peuples et civilisations de l’Afrique antique, Histoire du Cameroun, Arts d’Afrique noire), aux études plus précises comme celles publiées par Enock Kahe Kwayeb, les Institutions du pays Bamiléké.
L’après-guerre est marquée par ce que l’on appelle le » courant de la négritude « . Il naît dès 1948. Ce courant va influencer 2 jeunes poètes militants : Sengat Kuo et surtout Elongue Epanya. Le premier de ces 2 écrivains est l’auteur de Fleur de latérite. Il utilise un pseudonyme, Francesco Nditsouna, sous lequel il écrira durant de nombreuses années. Elongue Epanya joue un rôle important dans la littérature camerounaise, car il est le premier écrivain qui fait éditer ses poèmes dans sa langue maternelle, le douala, et en français. Nous pouvons affirmer que le réel mouvement littéraire camerounais naît à cette époque. Il ne date donc que du début des années 1950. Cette date d’origine d’un courant intellectuel prouve le retard important du point de vue culturel du pays. Mais ce retard va être vite comblé avec l’arrivée dans le monde littéraire de deux grands auteurs des premiers romans camerounais : Mongo Beti et Ferdinand Oyono. Une multitude d’autres talents vont être effacés du public par le charisme et la mainmise sur la littérature de ces deux grandes figures du mouvement de la négritude. Ces auteurs sont quasi inconnus de nos jours comme ils l’étaient dans les années 1950.
Comme dans de nombreux arts, l’évolution de la littérature camerounaise se fait en parallèle avec l’évolution de l’histoire politique du pays. En effet, à partir de 1960, date de l’indépendance du Cameroun, le mouvement de la négritude préconisant l’obsession de la couleur noire va petit à petit disparaître, grâce à sa victoire sur le plan historique. Les intellectuels ne ressentent plus la nécessité d’écrire sur ce problème qui est en train de se résoudre. Du coup, les genres et les thèmes de la littérature camerounaise vont se diversifier. Le courant de pensée qui va s’installer est un courant basé sur la tradition camerounaise. Les auteurs vont puiser dans le répertoire ancien qui était, comme nous l’avons vu ci-dessus, un répertoire oral. De ce répertoire oral (des contes, des fables…), les auteurs vont extraire une nouvelle substance et l’arranger à leur façon, c’est-à-dire que des anciennes histoires fantastiques, par exemple, vont se transformer par l’écriture en grandes épopées historiques. Le genre à la mode à cette époque est en effet le roman d’épopée, le récit d’aventure, que l’on peut comparer avec le roman du Moyen Age en Europe. Ces histoires vont devenir très populaires au Cameroun à partir de 1963, date à laquelle est créée une maison d’édition qui permet au grand public d’accéder plus facilement à ce genre de lecture. Il s’agit de la maison d’édition CLE (Centre de littérature évangélique). Le but de cette maison est de promouvoir la littérature écrite par des Africains pour des Africains. Elle fournit toute l’Afrique noire. Les livres sont même vendus dans certaines librairies spécialisées européennes. Les auteurs du nouveau style traditionaliste sont Benjamin Matip, auteur de Afrique nous t’ignorons et du Jugement suprême, une pièce de théâtre à grand succès. Matip va obtenir un franc succès en adaptant en français des contes traditionnels. C’est le cas notamment de A la belle étoile. Nous pouvons citer également Gaspard et Françoise Towo-Atangana, qui ont traduit et publié Nden-Bobo ou Le Conte de l’araignée. Le dernier auteur célèbre de ce courant est Jacques-Mariel Nzouankeu. Il a en effet connu un grand succès avec son roman Le Souffle des ancêtres, chef-d’œuvre dont les thèmes sont inspirés des sources mystiques du folklore camerounais. Cet auteur écrira également des pièces de théâtre et de la poésie. Parallèlement à ce côté traditionaliste, un fort courant poétique naît au Cameroun à cette époque. Il s’agit de poésie qui sera soit en prose, soit en vers. Les thèmes sont variés et sont en rapport avec l’évolution de la société camerounaise. On nomme généralement ce courant la Thématique moderniste. Les deux auteurs les plus célèbres de ce courant sont Francis Bebey et Joseph Owono.
La poésie et le théâtre
La poésie camerounaise, si elle n’est pas utilisée pour traiter des problèmes sociaux, parle d’amour. Les auteurs représentant ce style littéraire sont René Philombe, Okala Alane, Ernest Alima et Léon-Marie Ayissi. Nous pouvons également citer l’abbé Charles Ngandé. Ces auteurs sont connus dans le monde de la littérature pour avoir su se démarquer du style poétique lyrique européen. Le style qui découlera ensuite de cette évolution littéraire est le théâtre, qui connaîtra un grand succès au Cameroun, car c’est un genre qui convient bien à cette population gaie, ayant une grande sensibilité théâtrale. Les premiers grands auteurs de pièces de théâtre sont des auteurs connus dans d’autres genres littéraires comme par exemple Jacques-Mariel Nzouankeu, Benjamin Matip ou encore René Philombe. Mais le plus célèbre est sans aucun doute Guillaume Oyono-Mbia. Il est l’auteur le plus lu des éditions CLE. Sa pièce, Trois prétendants… un mari, est en effet devenue un succès national et international. Elle recevra en 1970 le prix El Hadj Ahmadou Ahidjo. Elle met en scène des passages typiquement camerounais de la vie de tous les jours, avec une sensibilité et une inspiration puisées dans les lectures de son maître à penser : Molière. Cette pièce est l’une des seules du théâtre camerounais à avoir connu le succès à la fois sur scène et en librairie.
D’autres auteurs célèbres de pièces de théâtre sont : Jean-Baptiste Obama, Pabé Mongo, E.N. N’embe, Werewere-Liking (grande artiste pluridisciplinaire camerounaise, elle vit maintenant en Côte d’Ivoire où elle a ouvert son propre lieu culturel Le Village Ki-Yi à Abidjan), Y. Karone. La satire tragi-comique les inspire souvent, notamment Kouma N’Dumbe III, Franz Kayor plus connu sous le pseudonyme de Paul Tchakoute, René Philombe, Dave K. Moktoï, ayant comme patronyme David Kemzen Mokto. Il faut ajouter à cette liste quelques grands poètes, comme Paul Dakeyo (L’Enfant-pluie a reçu le prix Saint-Exupéry en 1994), Stanislas Awono et surtout Antoine-François Assoumou, au destin aussi fulgurant qu’un Radiguet, puisqu’il mourut à seulement 17 ans. Relancée par une association dénommée “La Ronde des Poètes”, la poésie camerounaise a retrouvé de nos jours une seconde jeunesse.
Mongo Beti
C’est l’une des figures majeures de la littérature camerounaise. Alexandre Biyidi Awala est né en 1932 à Mbalmayo, près de Yaoundé, et a été, tout au long de sa vie, un grand défenseur des droits de l’homme et des libertés pour son peuple. Agrégé de lettres, il a accompli toute sa carrière au lycée Corneille de Rouen, en publiant parallèlement de nombreux ouvrages. Alexandre Biyidi Awala est sans conteste un écrivain engagé, ce qui lui a valu d’ailleurs quelques tracas, tant dans son pays où il est retourné dans les années 1990, qu’en France où il a parfois stigmatisé les incohérences de la politique africaine. Il a écrit Main basse sur le Cameroun, Les Deux Mères d’Ismaël Dzewatana, L’Histoire du fou. Sous son pseudonyme Mongo Beti, il publie Ville cruelle en 1953 et Le Pauvre Christ de Bomba. Dans Ville cruelle, Mongo Beti lutte contre le colonialisme européen, relate les nombreuses aliénations subies par le peuple africain dans les villes coloniales. Il réalise une critique virulente qui engendrera tout un nouveau courant de pensée. Dans Le Pauvre Christ de Bomba, il lutte également contre la société africaine traditionnelle, mais dans ce nouvel ouvrage, l’ironie et l’humour sont omniprésents. Cet auteur révolutionnaire accroît encore sa popularité avec les livres Le Roi miraculé et Mission terminée. Dans ces deux romans, il rompt avec ses anciens écrits, souvent dominés par des questions politiques, tout en gardant un fort caractère de militant. Ce changement l’écarte du » mouvement de la négritude « , ce qui lui attirera les foudres des adeptes de ce courant littéraire. Il sera néanmoins à l’origine d’une nouvelle génération d’écrivains camerounais, désireux de suivre son exemple et de se démarquer de la » négritude « . Ses derniers romans : Trop de soleil tue l’amour (1999), Branle-bas en blanc et noir (2000) et, à titre posthume, Africains si vous parliez (2005). Mongo Beti est décédé le 8 octobre 2001 à Douala.
Comment faire une série sur le Cameroun sans parler du slam et de ce fait, sans parler de l’artiste bamiliké (peuple de l’Ouest du Cameroun) LYDOL ?
Tout d’abord, petit point sur la pratique du slam qui, en France, a été popularisé surtout par Grand Corps Malade. Le slam est un genre musical qui peut être défini comme de la poésie déclamée, accompagnée ou non par de la musique. Le slam est bien souvent un genre engagé et le texte est au centre de l’œuvre.
Le slam est donc militant et on peut dire que Lydol l’est également. Ses thèmes de prédilections sont l’égalité des genres, la violence basée sur le genre et la défense du patrimoine camerounais. Elle a d’ailleurs créé une association de défense des droits des femmes au Cameroun en 2022 appelée SheHeroes.
Lydol a toujours écrit sans vraiment y réfléchir jusqu’en classe de première où elle découvre l’œuvre d’Engelbert Mveng « Balafon ». Elle fait alors attention à son écriture mais n’ose toujours pas partager ses écrits. C’est alors en 2016, dans l’émission “l’Afrique a un incroyable talent” que le grand public la découvre. Elle subjugue le jury (composé à l’époque de Angélique Kidjo (Chanteuse d’origine béninoise multi récompensée et reprise par les Kid’s United…), Claudia Tagbo (Humoriste originaire de Côte d’Ivoire) et Fally Ipupa (Chanteur né à Kinshasa au Congo) – et oui quand même !) quand elle improvise à partir de mots proposés par ce dernier. Lydol n’était pas étrangère aux scènes et aux compétitions avant ce coup de projecteur mais il faut bien avouer que le passage à la télévision accélère les choses.
En 2018 elle sort son premier album « Slamthérapie », titre évocateur qui évoque le pouvoir de cet art sur sa vie. Le titre phare de l’album est alors Le Ndem : une ode au Camfranglais, langue argotique mélange du français, de l’anglais et de mots provenant de plusieurs langues ethniques parlées au Cameroun. Le succès est au rendez-vous mais il faut tout de même préciser qu’au Cameroun se faire une place dans le milieu de la musique reste très compliqué d’autant plus dans le milieu du slam, peu connu du grand public et qui reste un domaine très urbain, et surtout assez masculin.
Mais Lydol s’accroche et continue sur sa fabuleuse lancée ; entre ateliers slam, concerts et compositions de morceaux, personne ne semble l’arrêter. Elle collabore avec des artistes de premier plan du paysage culturel camerounais : l’humoriste Ulrich Takam, le chanteur Aveiro Jess ou encore Cysoul avec qui elle signe un duo en 2023. Qui est aussi la date de sortie de son nouvel album “Hybrid”. L’ album qui porte bien son nom car elle continue à aborder tous ses thèmes de prédilection en collaborant avec de multiples artistes, ce qui prodigue à l’album une variété dans les styles musicaux.
Gardez ce nom en tête ; non seulement ses textes sont travailés mais elle est aussi un sacrée performeuse. Lors de ces concerts elle donne tout : slam, danse, tenues de scène, énergie et tout sourire ! Un vrai bonheur. Sachez que peu importe votre humeur du jour, il y aura un titre de Lydol fait pour vous aujourd’hui !
Vous savez il y a ce genre de personne qui semble avoir tout dans la vie ; succès, génie artistique, style, gentillesse… et j’en passe ! Et bien l’artiste présenté dans cet article fait partie de cette population. Je vous vois venir le style et surtout l’art ça reste subjectif tout ça tout ça, mais quand même, ouvrez vos chakras vous n’allez pas être déçu.e !
Arnold Fokam a très vite décidé de se consacrer à sa passion du dessin. Directement après le bac il intègre l’Institut des Beaux-Arts de l’Université de Nkongsamba / Douala. Il en ressort diplômé et explore en premier lieu la peinture sur toile avant d’expérimenter plus tard d’autres pratiques.
Il travaille entre Nkongsamba et Douala – ville du peuple Sawa aussi appelé Peuple de l’eau. Son travail est d’ailleurs très axé sur l’eau mais aussi sur le corps, la femme, et la relation des Hommes, de la Société avec tout cela.
Son univers est très onirique et sa couleur de prédilection est le bleu. Il ajoute toujours à son travail une dimension écologique, spirituelle et culturelle (liées à la culture camerounaise). Ses œuvres proposent un dialogue entre les légendes camerounaises, la Société et l’univers aquatique.
C’est pourquoi il représente très souvent les « Mamy Wata ». Ces personnages, très connus de la mythologie du pays, sont une version africaine des sirènes occidentales. Les légendes et histoires liées aux « Mamy Wata » sont très répandues partout au Cameroun et pas seulement auprès du peuple Sawa. Ne tentez même pas d’uriner dans l’eau dans la ville côtière de Kribi : vous risqueriez de vous faire emporter par une de ces créatures !
Arnold fait partie d’une génération de jeunes artistes (il est né en 1996) qui essaie de défendre l’environnement par son art. Un thème qui n’est pas encore très abordé au Cameroun. L’environnement donc mais aussi il faut le dire la femme ; qui est surreprésentée dans son travail.
Par ailleurs, ses oeuvres concernant sa représentation de la femme sont assez portée sur l’image de la femme-mère, porteuse de vie et donc de l’Humanité. Ce qui est en soi un très beau message mais qui peut paraître réducteur. Cependant, n’oublions pas que cette image est très mise en avant au Cameroun.
En dehors de cela, je vous laisse admirer les quelques images ici de son travail et je vous invite à vous tenir au courant de son actualité sur son Instagram @arnoldfokam
Diderot disait (déjà) que “les grands artistes ont un petit coup de hache dans la tête”. L’association du concept de santé mentale et de l’art n’est pas nouvelle et universellement connue. Les comics Marvel parlaient de traumatismes et de leurs conséquences dès les années 1960 (Batman, Moonlight Knight). Le grunge de Kurt Cobain ou la vibe dark de Billie Eilish ont, quant eux, mis en avant leur bataille avec eux-même. Aujourd’hui, les artistes parlent toujours de santé mentale mais c’est tout autant pour exorciser leurs propres démons que pour partager leur expérience avec ceux qui la vivent également. Une large scène s’est créée pour le discours autour des troubles mentaux ces dernières décennies. La question est en passe d’être normalisée mais n’est elle pas aussi en train de se transformer lentement en norme commerciale ? Entre soutien et coup marketing, petite enquête..
Libération de la parole
La pandémie mondiale a permis de libérer le discours autour de la santé mentale et des pathologies qui y sont associées. Si le mouvement n’est pas nouveau, le vaste ré
seau numérique l’a amplifié. Des comptes Instagram spécialisés aux témoignages Youtube, le tabou se brise lentement autour de l’illusion d’un équilibre mental immuable et sans failles. Bella Hadid parle de sa dysmorphophobie sur Instagram. Billie Eilish chante ses envies suicidaires et des millions de personnes se connectent à ce discours qu’ils ont, eux aussi, connu. Ce phénomène, par la communauté de ses portes paroles, participe alors d’une meilleure acceptation des pathologies telles que la dépression, le syndrome post-traumatique ou encore l’autisme et surtout d’un accompagnement et d’une meilleure prise en charge de celles-ci.
Glamourisation du mal être
Cette vague d’intérêt autour de la santé mentale apporte aussi son lot de dérives. La masse de contenus autour de la question et surtout d’œuvres créées participe néanmoins d’un phénomène de glamourisation des ces pathologies. Tout comme les jeunes des années 1990’s portaient leur marginalisation en hommage à leur idole de Nirvana, parler de sa santé mentale et montrer son mal être semble être devenu un incontournable sur les réseaux. Des hashtag comme “sadboy” et “saddepressed” comprennent des dizaines de publications Instagram. Les clichés, cependant, sont encore présents comme la violence systématique du trouble mental ou encore le génie absolu des autistes (cc Rain man) et, bien entendu, le lien entre santé mentale et créativité. Des séries comme Euphoria sont un exemple criant de cette tendance à mi-chemin entre l’éducation des publics et la glamourisation de pathologies bien réelles et pas forcément remplies de make-up pailletés.
Normalisation ou effet de mode ?
Si la libération de la parole autour du concept de santé mentale ne date pas d’hier, il est aujourd’hui plus que jamais sur le devant de la scène. Les industries culturelles, par leur capacité à parler à un large public, participent de ce phénomène. C’est justement cette capacité qui en fait un outil tout aussi formidable que problématique. Si elle permet de rendre accessible le discours autour des troubles mentaux comme le fait Euphoria, elles peuvent participer d’une romantisation de leur représentation mais aussi dans le cliché du génie incompris qui réussit à surpasser ses troubles pour créer une œuvre originale. Comme toute révolution, l’éducation à la santé mentale apporte son lot de dérives qui ne pourront être contenues que par là d’où elles viennent, la pop culture.
“En un sens, je suis déjà mort”, “j’ai perdu quelque chose”, déclare Lester Burnham dans le monologue d’amorce aka personnage principal d’American Beauty (1999). L’homme est lessivé, “léthargique” comme il le dit lui même. Il a pourtant tout ce que l’on souhaiterait: un job, une femme, un enfant et une maison. Il n’est pas heureux cependant et se trouve coincé dans un modèle qui n’est pas le sien. Le changement ne va cependant pas tarder et faire tomber le(s) masque(s).
C’est une superbe parabole sans fard (ou presque) que nous livre Sam Mendès et son oeuvre désormais cultissime, primée 14 fois sur 16 nominations (dont Oscar du meilleur film). Le réalisateur britannique fut d’ailleurs recommandé par Steven “Dieu” Spielberg, lequel a apporté un peu de son regard avisé sur le tournage. C’est dire ! Kevin Spacey dans le rôle principal et un scénario par Alan Ball (True Blood, Six Feet Under…), bref, un générique tout en Beauty pour une histoire pas si rose (vous l’avez ?).
Apparences & Perfection
Quel meilleur cadre pour un jeu de cache cache d’intrigues scandaleuses que la famille ?
Celle ci figurent en effet le lieu parfait pour toute étude sociale en ce qu’elle constitue un microcosme divers et varié. Il n’y a qu’à voir le nombre d’oeuvres à but “d’exploration sociologique” qui utilisent ce cadre : Millenium (2009, Niels Arden Oplev) dont vous devez absolument lire le roman de base, Le Prénom (2012, Alexandre de la Patellière et Matthieu Delaporte), Rocco et ses frères (1960, Luchino Visconti), Hannah et ses soeurs (1986, Woody Allen)…pour n’en citer qu’un échantillon.
Extrait American Beauty (Sam Mendes, 1999)
C’est cependant du rêve américain à la Desperate Housewives qu’il est question ici et, par extension, du fantasme de la parfaite famille moderne. La pression est forte. On veut y coller coûte que coûte…même si cela revient à sombrer dans une prison dorée. Devant les amis, devant les membres même de sa famille, on s’y accroche. Il faut sourire, montrer qu’on a du succès, que l’on rentre dans le moule quoi. Ceci à tel point que l’individu derrière le masque de sourire s’efface doucement. Notre sympathique Lester dit lui même s’être “réveillé” suite à sa première rencontre avec la belle Angela Hayes. “Notre mariage n’est qu’une devanture. Une publicité pour faire croire que tout va bien alors qu’on est loin d’être standard”, crie t il à sa femme workaholic psychotique. Cette femme qui est d’ailleurs l’incarnation même de cette pression sociale tant elle l’a interiorisé. Elle finit par perdre le contrôle de ce personnage qu’elle s’est construit. La scène de sa crise de nerf pour une maison invendue en est l’illustration même.
Extrait American Beauty (Sam Mendes, 1999)
Il se met alors à tout envoyer valser et (re)commence à vivre sa meilleure vie sans plus se soucier des règles de conduite d’un quarantenaire de banlieue. Le père de son nouvel ami, Ricky Fitts, en comparaison tient plus de la cocotte minute. Son fils, réfractaire à la morale paternelle stricte, militaire et franchement homophobe, devient alors le parfait punching ball pour laisser aller ses frustrations.
Le lien du couple Jane/Ricky, adolescents rebelles et artistes à fleur de peau avec ceux de leurs parents est, d’ailleurs, plus que flagrant de contrastes. L’inexpérience est, ici, l’allié en ce que le masque, plus fin, n’est pas encore tout à fait défini.
Extrait American Beauty (Sam Mendes, 1999)
Beauté & brutalité
Notre Lester ne sera malheureusement apaisé que dans la mort. Libéré de toutes ces intrigues qui faisaient sa vie, il se souvient des longues soirées à regarder le vent jouer avec les branches des arbres. Il trouve alors cela tellement beau qu’il en est envahi d’un immense sentiment de gratitude. Il est reconnaissant d’avoir simplement été autorisé à passer dans un monde si beau et d’avoir pu le contempler ne serait ce qu’un moment.
Le monologue de Richy face à sa plus belle prise, également, rejoint ce message et va même plus loin encore. Il y a tellement de beauté dans le monde, dit il, que ça en est presque insupportable.
Extrait American Beauty (Sam Mendes, 1999)
Tout est Beauté. Celle ci dépendrait du regard cependant. Il faut alors apprendre à regarder sans filtre.
La Beauté se fait donc ici femme fatale baudelairienne. Elle obsède. On tente d’y résister. Elle déchire et brutalise. Celle ci est alors représentée, non pas comme un “rêve de pierre” comme chez le poète, mais sous les traits d’une jeune fille aux fleurs. Elle réveille Lester et lui rappelle ce qui lui manque tant. Un wake up call qui ne sera pas au goût de son entourage qui, lui, n’est pas prêt à faire tomber le masque et les faux semblants.
Le rôle de la caméra est alors central de le processus de destruction du masque. Le jeune Richy ne cesse de filmer ce qui l’entoure. Il documente ce monde qu’il trouve violemment beau. Les gens, les plantes, les phénomènes naturels… tout est matière à révéler sa beauté. La caméra devient alors outil de vérité là où le regard est baisé par le psychologique. Le cinéma mais surtout l’Art (avec un grand A) est, de ce fait, nécessaire.
Extrait American Beauty (Sam Mendes, 1999)
American Beauty c’est donc, plus qu’une crise de la quarantaine aux faux airs thriller ish. C’est une critique du fantasme de la vie parfaite dans les banlieues américaine mais surtout de la société moderne. Un vie où la pression sociétal est tel que l’on doit ériger des masques comme des murs entre le monde et soi. L’Art sous les traits de la caméra devient le médiateur et l’artiste le fou gênant à l’image de Richie guidant Lester.
