Comment faire exister le fantôme au cinéma, art de la monstration ? Figure de l’irréel et de l’illusion, le revenant a gagné ses lettres de noblesse par la littérature. L’écriture suggère et appelle l’imagination. Comment la caméra peut-elle alors rivaliser et faire frissonner son public ? Petit aperçu …
Une apparition
La caméra montre. Encore faut-il choisir ce qu’elle montre. Et c’est là qu’entre en jeu la créativité de l’équipe. Le fantôme peut ainsi avoir très simplement un corps matériel. Il est possible alors de jouer avec ledit corps. Le montrer ? Si oui, quand ? Et surtout comment ?
Kwaïdan, Masaki Kobayashi, 1964
Ce corps peut être montré partiellement: des yeux par-ci, une main par là. Ceci dans l’objectif de faire monter la pression avant la révélation finale ou non si il est décidé de ne pas dévoiler l’entièreté du revenant.
Apparences, Robert Zemeckis, 2000
L’environnement est alors un immense terrain de jeu. L’eau et les miroirs ou toute surface réflexive, par exemple, permet de lancer un jeu de chat et de la souris avec le regard.
La nuit ou tout simplement l’obscurité également peut faire l’objet d’une multitude de situations de monstration partielle ou complète.
L’art de la suggestion
L’enfant du Diable, Peter Medak 1980
Utiliser l’environnement est donc une véritable mine d’or. On croit apercevoir quelque chose, puis non. Le doute s’installe. Etait-ce une ombre ? Le décor mais aussi les accessoires peuvent ainsi servir la tension dramatique voire complètement incarner le revenant. Une photo ou un portrait installé bien en vue peut ainsi devenir la cristallisation de ce fantôme qui hante le film. Un jouet d’enfant ou n’importe quel objet peut alors devenir le porteur de suspens.
Le point de vue est également extrêmement important lorsque l’on s’attaque à la suggestion d’un tel concept. Le passage du jour à l’obscurité peut ainsi installer une ambiance propice à l’apparition fantastique. Le sommeil surtout peut permettre de dessiner une frontière entre le visible et l’invisible, entre la réalité et l’imaginaire et surtout amener le regard à douter de ce qu’il a bien pu voir.
La folie d’un personnage, d’ailleurs, peut aussi servir ce but notamment lorsqu’il s’agit d’une narration à la première personne.
Le point de vue peut également être déplacé et prendre le regard même du fantôme. On voit ainsi ce que le fantôme voit et parfois, on ne voit donc pas le fantôme lui-même.
Au milieu des loups-garous, vampires et autres créatures de l’enfer, le revenant semble indétrônable. Un peu comme le film pornographique, la figure du fantôme, et plus largement le film d’horreur, fut très rapidement exploité par les cinéastes. Un succès qui n’est toujours pas démenti. Un fantôme fait toujours son petit effet (encore faut-il bien l’amener). Pourquoi un tel succès ? Un élément de réponse consisterait en l’universalité du concept de revenant. Le fantôme parle en effet à tout le monde mais pas forcément de la même manière.
Une réminiscence du passé
Commençons par le commencement, finalement c’est quoi un fantôme ? Du côté purement académique, le Larousse le définit comme une “apparition d’un défunt sous l’aspect d’un être réel”. Plus largement, le fantôme peut définir tout ce qui tient à quelque chose de disparu, d’irréel ou presque. Les expressions “voir un fantôme du passé” , “ressentir des douleurs fantômes”, par exemple, participent de cette idée.
Ghost, Jerry Zucker, 1990
Le fantôme peut donc être rapproché du concept de l’illusion mais surtout du souvenir. Le plus commun des fantômes reste le revenant coincé entre le monde matériel et l’au-delà. Il est donc bien souvent la manifestation d’une personne défunte que l’on peine à oublier.
Casper, Brad Siberling, 1995
Il peut être également évoquer le souvenir d’un événement passé comme la Dame Blanche voire d’une époque passé comme le gentil Casper qui symbolise l’âme de la maison ou encore les sorcières en colère du temps de la persécution de la ville de Salem dans la Massachusetts.
Une création de l’esprit
Shutter (Spirits), Masayuki Ochiai, 2008
Le fantôme se rapproche donc plutôt d’un souvenir. D’un souvenir qui reviendrait et qui hanterait le ou les protagonistes. Le revenant est donc finalement quelque chose de personnel dans son approche et son interprétation.
Il représente ainsi bien souvent le poids de la culpabilité. Il ne se montre pas ou peu et ne cesse de revenir comme un souvenir que l’on souhaiterait oublier et enterrer pour de bon. Cette approche du fantôme diffère ainsi de la première approche en ce qu’il est perçu comme nuisible chez les vivants.
Le poids du culturel
Le fantôme et son interprétation sont donc plutôt personnelles. Elles sont aussi extrêmement culturelles. L’Occident et son passé judéo-chrétien, par exemple, personnifie le fantôme. Il est bien souvent une personne, une brebis égarée des champs d’or et de lumière du Paradis. Il appartient donc au monde spirituel et, par là, son apparition est indiquée par un halo de lumière voire des contours flous ou carrément le package du corps évanescent gris et flottant.
Harry Potter à l’école des sorciers, Chris Columbus, 2001
Le cinéma asiatique et notamment japonais, de passif shinto, bouddhiste et animiste, dépeint le fantôme comme un esprit. Le revenant a ainsi perdu son humanité au moment de sa mort et se serait fondu dans le monde spirituel. Il est ainsi le plus souvent représenté les cheveux longs et noirs et la peau plus pâle que Chamonix au mois de février.
The Grudge, Takashi Shimizu, 2004
Le fantôme n’est pas un concept unique. Il est à rapprocher du concept de souvenir mais il nous parle également d’individualité, de culture et d’histoire. Le fantôme est bien plus bavard qu’il n’en a l’air.
On ne peut pas parler de la science au cinéma sans évoquer la filmographie de Christopher Nolan. Qu’on trouve ses films pompeux ou géniaux, le réalisateur ne laisse personne indifférent. Son approche de la narration, du visuel et du cinéma tout court mériterait une masterclass pour chacun de ces sujets mais essayons tout de même de déblayer ce qui est sans nul doute l’un des phénomènes de science-fiction de ces dernières décennies.
Motif et temporalité
Inception, 2010
A moins de vivre dans une grotte, vous avez déjà vu au moins une fois Interstellar et Inception. Des films plutôt complexes à aborder pour le grand public mais qui pourtant ont eu une très belle carrière en salle et par la suite.
Ce n’est un secret pour personne Christopher Nolan (Chris quoi) est fasciné par le temps. Cette thématique imprègne ainsi toute l’œuvre du réalisateur britannique. Qu’il s’agisse de l’un des questionnements principaux du film comme dans Interstellar (2014), la narration non linéaire ou même la musique, tout est matière à s’interroger et surtout à jouer avec le temps.
Les motifs deviennent alors des points de repères essentiels dans la compréhension de l’histoire. Des motifs on en retrouve énormément dans chacune des œuvres de Nolan. A savoir donc qu’un motif au cinéma est un élément visuel ou auditif récurrent qui permet de renforcer la thématique, l’action de manière subtile et le plus souvent métaphorique. Nolan ajoute ainsi divers couches de lecture par l’ajout de détails plus ou moins visibles, de répliques qui se répondent…
Inception, 2010
Les origines
Par la construction extrêmement cadrée de ses films, Nolan est en quelque sorte un mathématicien du cinéma.
L’écriture de ses scripts sont ainsi très codifiés. Le réalisateur explique d’ailleurs que sa méthode de travail est principalement construite autour de l’utilisation des diagrammes et autres graphiques. L’homme pense au film comme un puzzle et assemble les pièces comme il le ferait d’un algorithme. L’une des inspirations principales de Nolan est d’ailleurs la gamme de shepard. Il s’agit d’une illusion auditive qui donne l’impression de continuellement monter sans jamais s’arrêter (un peu comme un avion qui n’en finirait pas de décoller). Certains la surnomme d’ailleurs “le son infini”. Une illusion forte et immersive basée sur des faits bien scientifiques et terre à terre qui définit, en effet, très bien le cinéma de Christopher Nolan.
Du côté des scientifiques, le discours est plutôt mitigé. Les concepts auxquels Christopher Nolan s’intéresse sont encore mystérieux sur bien des points même pour la science et en cela, le cinéma permet de jouer le rôle d’un laboratoire géant libéré des lois de la Nature où tout est possible. S’il se renseigne et travaille en collaboration avec des spécialistes, les propositions de Nolan restent sur bien des points de la fiction. N’oublions pas que bien que extrêmement renseignés et construits, les films de Nolan restent des films. Un point sur lequel pourtant la majorité s’accorde : le cinéma de Nolan a permis de redonner un coup de jeune à la science !
La science refait surface dans les catégories mainstream ! Et ça c’est cool ! Un peu boudée pendant quelques décennies et reléguée aux “petits geeks du lycée”, le monde scientifique revient donc. Science et cinéma, c’est un peu un match made in heaven. Ne serait-ce que parce que sans science pas de cinéma. Le cinéma reste, de plus, le plus grand laboratoire du monde. Petit tour d’horizon…
A l’écran : De la théorie et de l’inspiration
Le cinéma c’est le royaume de l’imagination, tout devient possible du moment que l’on est un peu créatif. Les choses les plus incroyables peuvent prendre vie à l’image des dinosaures ressuscités ou des rencontres pour le moins originales entre humanité et vie extraterrestre.
1. Men in Black, Barry Sonnenfeld, 1997/ 2. Mars Attack !, Tim Burton, 1996
Puisqu’il s’agit du domaine de la fiction, les règles de la physique ou de la biologie n’ont pas voix au chapitre. Les artistes peuvent alors s’en donner à coeur joie et parfois même… inspirer les scientifiques qui, eux, se heurtent à ces lois de la nature.
Les théories et rêves qui peuplent l’imagination d’une population et d’une époque sont d’ailleurs souvent la photographie des changements, des peurs et des espoirs de ladite époque. Les récits d’anticipation, par exemple, traduisent les grands questionnements au temps des grandes explorations, de l’ère industrielle et de ses nouvelles opportunités et, plus récemment, du monde virtuel.
Les voyages sur la lune, sous la mer, sur mars ou dans le temps sont ainsi des classiques bien connus des amateurs de science-fiction. Chaque nouvelle aventure apporte ainsi son lot de théories mais aussi de projections tant dans le temps que dans l’esprit collectif.
Ghost in the Shell, Mamoru Oshii, 1997
Le cinéma de science fait aujourd’hui la part belle aux concepts de l’IA et de la robotique. Les interactions entre les mondes matériels et virtuels se font, en effet, de plus en plus nombreuses et la frontière de plus en plus floue.
Il s’ajoute à cela que le cinéma reste également l’un des outils de pédagogie les plus puissants. Là où le livre explique, le cinéma le montre. Il n’y a qu’à voir l’usage de propagande qu’il en fut fait en temps de guerre. Ainsi des films scientifiques ont fleuri tout au long de l’histoire du cinémascope avec notamment la traumatisante Séparation des sœurs siamoises Radika et Dodika par le docteur Doyen ou les très beaux films chronophotographiques de Etienne-Jules Marey.
Série chronophotographique d’un pélican, Jules Marey, circa 1882
Derrière la caméra : un médium expérimental
C’est son côté monstratif qui fait alors du cinéma, LE lieu d’expérimentation parfait. Devant la caméra mais aussi derrière le cinémascope est définitivement le plus grand laboratoire du monde.
source : Upopi.fr
Son histoire et son concept, tout d’abord se rattachent immanquablement au fait scientifique. Il suffit de voir ses ancêtres pour s’en persuader.
Les grands principes de l’optique et de l’enregistrement de celui-ci président ainsi à sa naissance et participent toujours de sa croissance.
Aujourd’hui encore, le cinéma se renouvelle à vitesse grand V grâce à la digitalisation et toutes les possibilités qu’elle ouvre. Les studios Pixar et les progrès en image de synthèse, Star Wars et la multitude de révolutions techniques, la quête de la 3D et plus récemment la VR quelques unes de ces innovations qui secouent le cinéma mais aussi la science.
Au cinéma, art et technique, imagination et science s’entremêlent et se combinent. Ils participent ainsi pierre par pierre à la construction d’un monde futur par l’inspiration, la pédagogie et surtout la créativité.
Qui n’a jamais vu au moins une fois Kirikou et la Sorcière (Michel Ocelot, 1998) ? L’histoire de l’enfant prodige et de la sorcière Karaba est, en effet, très vite devenue un grand classique du dessin animé enfantin. Il est surtout devenu en quelque sorte l’ambassadeur de la culture africaine auprès des plus jeunes au même titre que Tibili (et si vous ne voyez pas qui est Tibili, allez vous acheter une enfance). Les yeux d’un adulte, cependant, discerne une deuxième lecture beaucoup moins rose. Plongeon au cœur d’un village africain sans hommes…
Le regard d’un enfant
L’histoire du petit Kirikou, c’est un peu le cheveu dans la soupe. L’enfant arrive avec son regard innocent et déblaie le monde de traditions et de non-dits des adultes. “Pourquoi ceci ?”, “Pourquoi cela ?”Kirikou veut tout comprendre de ce monde nouveau et fait montre d’une logique imparable à laquelle les adultes ne peuvent répondre que évasivement. C’est comme ça et puis pas autrement. A la question “Pourquoi Karaba la sorcière est elle méchante ?”, les villageois lui répondent donc qu’il en est ainsi et qu’il faut la craindre comme les plus âgés le font. Réponse qui ne satisfera pas notre Kirikou, persuadé qu’une raison plus profonde se cache dans la méchanceté de la sorcière.
Un conte à la belle morale inspiré à Michel Ocelot par une histoire africaine rapportée par les colons du XXe siècle. Le réalisateur a d’ailleurs vécu une grande partie de son enfance en Afrique et plus particulièrement à Conakry en Guinée. Le film est ainsi imprégné de ses souvenirs, de ces couleurs, tenues et parfums du continent africain qui l’ont tant fasciné étant plus jeune.
Le regard du petit Kirikou, c’est donc aussi celui d’Ocelot lui-même, petit français, admiratif d’un monde tout à fait différent du sien.
La femme, la sorcière et l’épine
Si vous n’avez peut-être pas re-visionné Kirikou depuis l’enfance, faites le donc. Le film pourrait prendre une toute autre direction. Le message inclusif, certes, n’est en rien touché mais les détails de l’histoire prennent un tout autre sens.
Prenons le plus évident: Karaba la sorcière est méchante. Ok. Ceci à cause d’une épine enfoncée dans son dos. Vous suivez toujours ? Cette épine lui aurait été enfoncée par un groupe d’hommes. Ah beh là, tout de suite, ça fait tilt. Eh oui, c’est bien d’un viol collectif dont il est question. Il n’est effectivement pas très compliqué de voir le lien avec un tout autre genre d’épines. Elle souffre alors chaque jour et s’est retourné contre les responsables de son malheur, les hommes, que, folle de rage, elle transforme “en objets obéissants”.
La symbolique de la sorcière à la Michelet ou Mona Chollet n’est pas non plus tout à fait lointaine à l’histoire. Karaba est une sorcière aux pouvoirs puissants et dotée d’une grande beauté. Elle inspire alors crainte et méfiance auprès des hommes mais aussi des femmes du village.
A bien y regarder, le film est truffé d’images à double lecture potentielles ou avérées. Le monstre qui boit toute l’eau du village, par exemple, peut ainsi être associé à l’idée de colonisation mais aussi de capitalisme suivant le degré de politisation de la lecture.
La découverte de l’Afrique
Kirikou et la sorcière est surtout une déclaration d’amour du réalisateur pour le continent african de son enfance. Les couleurs, les sons, tout est étudié pour rendre hommage en toute authenticité. Le premier doublage, par exemple, fut effectué avec des voix africaines, un point très important pour Ocelot qui souhaitait la reconnaissance des différents accents et dialectes. Le doublage anglophone a lui aussi bénéficié de voix à consonances africaines en ce qu’il s’agit des deux langues occidentales les plus parlés (avec divers accents) en Afrique. La musique, également, fait l’objet d’une attention toute particulière. C’est l’artiste Youssouf N’dour qui signe ainsi une très belle bande son. Il est à remarquer d’ailleurs que, détail amusant, l’instrument emblématique de la culture africaine, le tam-tam, ne fait son apparition qu’à la fin de l’histoire. Les tambours étant, en effet, plutôt un instrument joué par les hommes, le réalisateur n’a préféré l’introduire qu’à la libération desdits hommes.
L’Afrique noire est à l’honneur mais pas que. C’est en effet tout le continent africain que Ocelot met en avant dans son film. Ce dernier, fasciné par la culture de l’Egypte antique, mêle cette esthétique avec des coloris chatoyants qui rappelle le Douanier Rousseau.
Cette volonté d’authenticité lui a pourtant valu quelques blocages et notamment lorsqu’il choisit de montrer les femmes torse nu. Il refusera ainsi de leur couvrir la poitrine et ce malgré les menaces des producteurs. Ocelot déclare alors qu’il refuse de trahir l’Afrique qu’il a connu et surtout de transmettre à la jeunesse l’idée que le corps c’est sale, indécent et qu’il faut le couvrir.
Michel Ocelot est le premier surpris du succès et de la reconnaissance qu’à rencontré son Kirikou et la Sorcière. Le réalisateur qui souhaitait traiter de sujet plutôt sérieux et sombre avec ce film s’étonna que l’on destine toute la communication du film autour des enfants. Son succès universel l’ont néanmoins conforté dans l’idée que “lorsque l’on fait quelque chose avec le coeur, on touche beaucoup de gens”. C’est peut-être ça le secret de Kirikou, son plus grand pouvoir finalement, son authenticité et l’universalité du discours et des thématiques en font un héros compréhensible tant par les enfants que les adultes.
